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Pour sa dixième édition à Londres, la 1-54 Contemporary African Art Fair comptait plus de 50 galeries présentant certaines des œuvres d'art les plus fascinantes et les plus avant-gardistes réalisées par des artistes d'Afrique et de sa diaspora. Il y a beaucoup à offrir dans cette affaire étroitement organisée, d'une multitude de peintures figuratives à des abstractions à base de textile qui repoussent les limites de la sculpture.

Dans la cour de la majestueuse Somerset House, menant à la foire, se trouve une installation majeure de Grada Kilomba, intitulée O Barco (The Boat). À 32 mètres, l'œuvre est censée reproduire l'échelle de la cale d'un navire négrier historique. Il est composé de 140 pièces de bois carbonisé, les œuvres en son centre étant inscrites en or avec une ligne chacune d'un poème écrit par Kilomba qui a été traduit en plusieurs langues : ceux des personnes qui ont été réduites en esclavage (yoruba, kimbundu et créole de Cabo Verde) et ceux qui ont profité de l'esclavage (portugais, anglais et arabe). Un extrait du poème se lit comme suit: "Un oubli une blessure / une blessure mort." C'est un puissant mémorial de tout ce que l'esclavage a provoqué et de la façon dont ses séquelles se poursuivent aujourd'hui.

Ci-dessous, un aperçu des meilleurs sur la foire à 1-54.

Pour commémorer le 60e anniversaire de l'indépendance de l'Algérie, l'artiste franco-algérienne Isabelle D. a créé un nouveau corpus d'œuvres qui présente des objets finement tissés et tricotés qui sont disposés en compositions denses.

Bien qu'elles ressemblent à du corail, les œuvres sont des paysages abstraits qui traitent des meurtrissures causées par la colonisation ; B. avait soigneusement sélectionné sa palette de couleurs, car elles correspondent souvent à la coloration d'une ecchymose à ses différents stades, des violets aux bleus, des verts aux jaunes.

La galerie October de Londres présente sur son stand une sélection de quatre sculptures de l'artiste béninois Romuald Hazoumè, qui fait également l'objet d'une exposition personnelle à la galerie. Les deux expositions présentent des exemples de la série "masques bidons" (masques réutilisés) de l'artiste, façonnés à partir de divers objets trouvés, notamment des jerrycans.

Bien qu'elles soient clairement destinées à faire allusion aux masques africains, ces sculptures saisissantes pointent également vers des préoccupations politiques mondiales, comme le trafic de pétrole/pétrole à travers des pays d'Afrique de l'Ouest comme le Bénin ou la façon dont les ultra-riches se cachent derrière des sociétés fictives pour accumuler leur richesse, comme l'ont révélé les Panama Papers et Pandora Papers.

Dans une déclaration, l'artiste ajoute que ses masques "ne ressemblent en rien à de puissants masques africains utilisés à des fins cérémonielles. Alors que de tels artefacts existent en tant qu'objets de pouvoir mystérieux, chacun de mes "masques" représente un individu réel", comme un politicien corrompu, par exemple.

Sur un imposant mur peint en rouge se trouve un peu plus de la moitié des 90 éléments qui composent Epiphany (Indian Mask) de l'artiste vancouvérois Jan Wade, ca. 1997. Il contient des dizaines de croix de différentes tailles qui combinent des objets trouvés et des objets recyclés qu'elle a trouvés dans divers marchés aux puces.

Mélangeant sa propre éducation religieuse avec des religions diasporiques comme la Santeria qui s'inspirent des croyances africaines et sud-américaines, ces croix sont frappantes et beaucoup sont subtilement ironiques et humoristiques. Celui qui est orné d'éléments floraux, d'images d'hommes blancs en costume et de photos de femmes nues se lit comme suit : "Sexe / que ceux qui sont sans péché jettent la première pierre / commerce." Ce texte est formé d'une combinaison de tuiles de Scrabble et de lettres en métal doré.

L'artiste basé au Cap, Chris Soal, a d'abord commencé à faire des sculptures en collant des bouchons de bouteilles, puis a progressé en utilisant des cure-dents, qui aident à former la structure de cette sculpture spécifique au site qui est également faite de tissu.

Une œuvre plus organique et façonnée que les précédentes, cette sculpture se plie autour d'un manteau dans l'une des chambres de Somerset House. Après avoir scellé cette fibre industrielle avec un scellant en polyuréthane, Soal la brûle à l'aide d'un chalumeau, créant une forme qui ressemble à une peau d'animal brûlée, bien qu'ici, elle ait été traitée à plusieurs reprises par des humains, y compris Soal.

Dans une installation époustouflante, l'artiste nigériane britannique Sola Olulode présente une partie de sa "Bed Series" en cours, au centre de laquelle se trouve un grand lit bleu. Sur sa tête de lit figurent les visages peints de quatre femmes noires, dont la couette et les draps, teints à la main à l'indigo par l'artiste, dessinent également les silhouettes (faites en batik blanc) de deux femmes allongées l'une à côté de l'autre.

L'objectif d'Olulode avec l'œuvre est double : honorer les textiles et les traditions de la teinture à la main, ainsi qu'une célébration de l'amour queer, en particulier entre femmes.

L'artiste sud-africain Sthenjwa Luthuli a une formation en gravure, nourrie par le temps qu'il a passé au BAT Center for Visual Art dans la ville côtière orientale de Durban, où il a commencé à suivre des cours en 2010. Il est devenu adepte de la gravure sur bois, elle-même un processus laborieux de découpe dans le bois (à l'inverse) pour créer une image. Il s'est vite rendu compte qu'il pouvait appliquer ces objets sculptés en bois dans des œuvres elles-mêmes, mais à une échelle beaucoup plus grande.

Au 1-54, l'artiste présente une suite de ces œuvres sculptées à la main qui sont finies avec de la peinture émaillée et qui prennent souvent des mois. Sur fond de motifs colorés richement texturés, des personnages sans tête flottent dans l'espace, apparaissant comme s'ils dansaient. Pour Luthuli, ces personnages sont liés à ses ancêtres, connus et inconnus, dont les histoires ont été perdues - ou volontairement effacées - de l'histoire.

Pour créer ces abstractions sculpturales, l'artiste malien Ange Dakouo, qui a été présenté dans Documenta 15 plus tôt cette année, rassemble du carton et du papier journal, puis crée de petits rectangles rembourrés qui ressemblent à des amulettes, ou "gris-gris", qui sont traditionnellement portés par les chasseurs au Mali. Il teint ensuite les gris-gris en rouge, blanc, etc. et les assemble à la main pour créer d'élégantes abstractions murales abstraites.

Ce faisant, Dakouo tente de "créer un univers harmonieux, à travers lequel les 'gris-gris' représentent des personnes censées se protéger les unes les autres", selon une déclaration de l'artiste.