Les meilleurs stands à la FOG Design+Art Fair 2023 de San Francisco

Célébrant sa neuvième édition, FOG Design+Art est revenu au Fort Mason Center for Arts and Culture de San Francisco avec une liste internationale de 48 galeries, y compris des participants de longue date et des nouveaux arrivants. Bénéficiant du programme d'éducation et d'expositions du musée d'art moderne de San Francisco, le gala d'avant-première de la foire mercredi soir a attiré des visages notables tels que la membre du Congrès Nancy Pelosi, le conservateur Larry Ossei-Mensah et l'acteur Owen Wilson.

En mettant l'accent sur les présentations de groupe, les exposants ont offert aux allées bondées des collectionneurs une foule de médias et de matériel. Parce que de nombreux stands étaient remplis de sculptures, de photographies, d'assemblages, de textiles, d'œuvres sur papier, etc., il était difficile de ressentir la fatigue face à la peinture figurative ou à la peinture en général, comme cela a été une tendance récente dans les foires. Alors que certaines galeries ont présenté le travail des chouchous de l'art new-yorkais, un certain nombre d'exposants ont choisi de mettre en lumière les légendes de la région de la baie et les artistes locaux prometteurs qui commencent à gagner une plus grande reconnaissance.

Après le premier jour, des entreprises de premier ordre avaient signalé quelques ventes notables, notamment Hauser & Wirth vendant une peinture de Pat Steir de 2022 pour 850 000 $ et Gladstone Gallery vendant des œuvres d'Anicka Yi, Matthew Barney, Rirkrit Tiravanija et d'autres.

Ci-dessous, un aperçu des meilleurs stands de l'édition 2023 de FOG Design+Art, qui se déroule jusqu'au dimanche 22 janvier.

Le travail de Raymond Saunders, basé à Oakland, est immédiatement identifiable dans son stand solo présenté conjointement par la Andrew Kreps Gallery de New York et la Casemore Gallery de San Francisco. Présentant des traits de peinture épais et gestuels associés à des dessins au trait délicats et à peine visibles à la craie, les surfaces du tableau noir de Saunder sont couvertes d'éphémères trouvés, y compris des éclats de porcelaine chinoise bleue et blanche, un dépliant de rue écrit à la main en espagnol, un napperon et une planche de bois.

Un ouvrage sans titre comprend même une vieille page d'un journal chinois avec une photographie d'un ancien maire de San Francisco, le regretté (et source de discorde) Ed Lee. Les matériaux disparates et superposés de Saunders témoignent des échanges interculturels qui ont façonné l'histoire et continuent d'informer la vie quotidienne. Ici, ses œuvres multimédias à grande échelle, toutes datant d'environ 2000, continuent de captiver le public plus de deux décennies après leur création.

Participant pour la première fois à FOG Design+Art, la Night Gallery de Los Angeles présente les nouvelles œuvres de Claire Tabouret et Nathan Thelen. La présentation rend hommage à l'artiste et occultiste du début du XXe siècle Pamela Colman Smith, dont les illustrations apparaissent sur le jeu de tarot Rider-Waite. Dans deux tableaux, Tabouret réinterprète des photographies historiques de Smith dans des pans gestuels de tons de terre; dans le troisième, des nuances de vert et de bleu.

Montés sur le mur adjacent se trouvent six autels à Smith - une collaboration entre les mariés Thelen et Tabouret. En collaboration avec les studios historiques Judson, Tabouret a traduit une série de portraits à l'aquarelle de Smith en vitrail. Encadré par l'acajou africain sculpté à la main de Thelen, le visage de Smith est illuminé par une petite bougie votive.

Une pêche géante, pourrie au point d'être couverte de verrues jaunes, vertes et brunes ressemblant à des moisissures, attire les visiteurs sur le stand de Micki Meng. La sculpture en grès est l'œuvre de Cathy Lu, récipiendaire du SECA Art Award 2022 dont le travail est actuellement exposé au SFMOMA jusqu'au 29 mai. Des dizaines de bâtonnets d'encens dépassent du fruit en porcelaine. Bien qu'il ne soit pas allumé, la quantité d'encens est suffisante pour émettre un parfum subtil.

Les boîtes à lumière lenticulaires de Heesoo Kwon de sa série de photographies "Premolt" de 2019 sont également remarquables dans la présentation du groupe. Manipulant de vieilles photographies de famille, Kwon insère dans l'image des modèles 3D fantomatiques de ses ancêtres féminines. Apparaissant nues pour représenter la libération féminine, les apparitions ont soit une "peau jaune" réaliste, comme l'a décrit l'artiste, soit une peau de serpent après avoir mué dans leur nouvelle forme.

Correction: Une version antérieure de cet article faisait référence à tort à la galerie par son ancien nom; c'est Micki Meng, pas Friends Indeed.

Occupant presque un mur entier du stand présenté par Ratio 3 de San Francisco et Nonaka Hill de Los Angeles se trouvent des rangées de photos polaroïd encadrées individuellement par Daido Moriyama et Nobuyoshi Araki. Les scènes représentées semblent fidèles au médium - éphémères, intimes et impossibles à recréer. Les moments quotidiens transmettent un temps et un lieu spécifiques qui sont déjà passés, trempés dans la lumière ambiante et brumeuse de la mémoire.

Ce sentiment de nostalgie se poursuit à l'autre bout du stand dans la peinture d'un ours en peluche d'Ulala Imai. Vêtue d'un peignoir à carreaux, la peluche se tient seule sur un terrain rocheux, sur fond de sous-bois verdoyants. Dans la scène calme, l'animal en peluche se sent presque animé, comme s'il posait pour une photo plutôt qu'oublié et perdu dans la nature lors d'un voyage en famille.

Dans le stand de la Galerie Fumi, une touche artisanale apparaît partout, littéralement. Les mains sont un motif clé, apparaissant dans les récipients en grès de Glithero (le partenariat créatif de Sarah van Gameren et Tim Simpson), une console sculpturale de Casey McCafferty et les sculptures figuratives de Saelia Aparicio.

Des formes organiques taillées dans le chêne se retrouvent tout au long de la présentation. Maria Bruun et Anne Dorthe Vester's Comparing Conditions Oak (2021), par exemple, offre une conception simple et élégante de courbes douces qui imitent les cernes des arbres du matériau bois. Francesco Perini opte également pour une finition minimale en Casamona (Chêne, Marbre Verde Guatemala), 2022. Sur le dessus de table oblong se trouvent des lignes de marbre vert incrusté qui rayonnent librement vers l'extérieur dans une variété de directions, évoquant la beauté des imperfections du monde naturel.

La présentation de groupe de Jessica Silverman "Ailleurs au-dessus de l'arc-en-ciel" réunit des artistes de galerie de longue date comme Judy Chicago et Woody De Othello avec de nouveaux visages, dont Loie Hollowell et Chelsea Ryoko Wong, qui ont tous deux rejoint la liste de la galerie il y a moins d'un an. Les œuvres de Chicago arrivent au FOG Design+Art dans la foulée de l'annonce par le New Museum qu'il montera la première enquête muséale new-yorkaise sur l'œuvre de l'artiste, qui ouvrira à l'automne.

Une harmonie de couleurs attire l'œil du Queen Victoria azur et magenta de Chicago (2022), un vitrail et une boîte à lumière peints à la main, à la sculpture en céramique bleue et verte d'Othello, qui est magnifiquement associée à la mer aqua dégradée et au coucher de soleil multicolore de Wong's Mussel Rock with Friends (2022). Pendant ce temps, le miroir acrylique circulaire de Davina Semo est parallèle aux formes bulbeuses des œuvres sur papier de Hollowell, absorbant et reflétant la palette de couleurs bordeaux et or de Hollowell.

Intimement nichées dans un coin du stand de David Zwirner se trouvaient les œuvres beiges de Yayoi Kusama et Ruth Asawa. Contrairement aux points ludiques et colorés qui peuplent la collaboration actuelle de Kusama avec Louis Vuitton, ici, les visiteurs peuvent s'intéresser aux aspects les plus discrets de la pratique expansive de l'artiste. Sa peinture monochromatique de la longue série "Infinity-Nets" invite les spectateurs à se laisser absorber par la texture et la forme à la place.

Sur le mur adjacent se trouvent deux délicates peintures à l'encre sur papier de feu Asawa, une figure de la région de la baie bien-aimée localement et internationalement. Représentant un pin taillé de près dans une œuvre et des pétunias fleurissant derrière un coquillage dans une autre, les pièces soigneusement composées capturent la manipulation magistrale du matériau par Asawa. De la représentation méticuleuse des aiguilles de pin aux fines rides des pétunias, l'attention minutieuse de l'artiste aux détails semble fluide plutôt que laborieuse.

Six nouvelles peintures de la peintre moscovite et basée à New York Sanya Kantarovsky occupent l'intégralité du stand de Luhring Augustine. Leurs surfaces picturales sont saturées d'angoisse et d'anxiété, dont la cause est inconnue. Dans Mary Magdalene (2022), par exemple, une femme penche la tête vers le bas, le visage violet. Ses cheveux négligés sont rendus par des touches lâches et gestuelles de peinture brun foncé.

Cette référence religieuse est accompagnée d'une allusion à l'histoire de l'art. Dans un tableau, un homme et une femme se penchent pour s'embrasser, suspendus juste avant que leurs lèvres ne se touchent. La forte inclinaison de la tête de la femme rappelle la pose du Baiser d'Edvard Munch (1897), qui représente un couple perdu dans une étreinte passionnée alors que leurs visages se fondent dans une pure abstraction. La scène de Kantarovsky est compliquée par son titre, Mama's Man (2022), suggérant que les téléspectateurs assistent peut-être à un moment plus troublant entre la mère et le fils.

Sur les murs du stand du Salon 94 Design se trouvent des photographies de Kwame Brathwaite et des peintures des artistes autochtones australiens Yukultji Napangati et Warlimpirrnga Tjapaltjarri. Les images radieuses de Brathwaite des années 1960 et 1970 de femmes noires ont défini et popularisé le mouvement "Black is Beautiful". Le Salon 94 Design offre une autre opportunité à la Bay Area de se familiariser avec le travail de Brathwaite si les participants manquaient l'exposition personnelle du photographe au Musée de la diaspora africaine, qui a ouvert ses portes en décembre 2019 et s'est achevée juste avant les fermetures de toute la ville en mars 2020.

Pendant ce temps, les peintures de Napangati représentent une initiative alors naissante dans les années 1990 menée par des femmes artistes Pintupi pour créer de l'art indépendamment des membres masculins de leur famille. Faisant partie du Western Desert Art Movement d'Australie, Napangati s'inspire de souvenirs ancestraux liés à la terre. Ses compositions ondulées et abstraites sont des études de couleur et de mouvement. Avec des surfaces tout aussi énergétiques, Tjapaltjarri, qui se trouve être le frère de Napangati, peint des environnements optiques qui ondulent en tourbillons hypnotisants.

Dans la présentation de groupe de Matthew Marks, le travail de la star de l'art contemporain Simone Leigh rencontre celui de Joan Brown du Bay Area Figurative Movement du milieu du XXe siècle. Intitulée Stretch (Erbium), la sculpture en grès rose clair de Leigh, de 2020, représente la figure abstraite d'une femme noire dans le style caractéristique de l'artiste. Après avoir reçu le Lion d'or de la meilleure participation à l'exposition principale de la Biennale de Venise 2022, Leigh aura sa première exposition complète à l'Institute of Contemporary Art de Boston en avril.

À proximité, les pièces de Brown du début des années 70 servent également de teaser pour une grande exposition de musée. Les deux œuvres sur papier incarnent la figuration ludique de l'artiste décédé et complètent de manière appropriée la collection couvrant plusieurs décennies de peintures et de sculptures de Brown exposée au SFMOMA jusqu'au 12 mars.