Pulitzer illumine de nouveaux aspects de l'art médiéval à travers le prisme de l'écologie

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Ce printemps, la Pulitzer Arts Foundation présenteLa nature des choses : art médiéval et écologie, 1100-1550, une exposition novatrice qui explore l'impact de la création artistique sur l'environnement et, inversement, la façon dont le monde naturel a façonné les pratiques artistiques en Europe au cours de la seconde moitié du Moyen Âge.

Avec environ 50 objets sacrés et profanes prêtés par 18 institutions, The Nature of Things invite le spectateur à réfléchir de nouvelles façons sur les formes archétypales de l'art médiéval, d'un panneau de vitrail rayonnant à une tapisserie murale regorgeant de flore et de faune à un fragment en bois sculpté de la tête inclinée du Christ crucifié. L'exposition pose également des questions sur les impacts environnementaux de la réalisation d'expositions contemporaines et sur la nature de la pratique muséale.

A voir depuisDu 10 mars au 6 août 2023, The Nature of Things: Medieval Art and Ecology, 1100-1550, a été organisée par Heather Alexis Smith, conservatrice adjointe, Pulitzer Arts Foundation.

« Nous espérons que The Nature of Things rend un service précieux à plusieurs niveaux. La présentation jette un nouvel éclairage sur l'art médiéval ; met au jour des liens entre les préoccupations écologiques d'une époque lointaine et celles d'aujourd'hui ; et offre un modèle pour l'organisation d'expositions contemporaines. L'équipe ici a travaillé pour réduire l'empreinte carbone du projet », a déclaré la directrice exécutive de Pulitzer, Cara Starke.

« Vivant comme nous le faisons aujourd'hui dans un monde où la peinture vient dans un tube et le bois d'un magasin de bois, il est facile de dissocier l'œuvre d'art de ses liens matériels avec le monde naturel. La nature des choses vise à illustrer comment les artistes en Europe dépendaient autrefois directement d'une multitude d'industries – la sylviculture, les carrières, les mines et l'agriculture – pour s'approvisionner en matières premières pour leurs œuvres, des industries qui ont laissé des marques à la fois temporaires et permanentes sur le paysage », explique Heather Alexis Smith.

APERÇU DE L'EXPOSITION

The Nature of Things plonge le spectateur dans les préoccupations quotidiennes de l'époque, une époque où les cycles de rareté, d'abondance et de changement écologique déterminaient la matérialité des produits de luxe les plus somptueux d'Europe. L'exposition est divisée en quatre sections selon le type de support et sa source : Forêt (bois) ; Champ (matériaux dérivés de plantes et d'animaux); Terre (verre et céramique); et carrière et mine (métaux et pierre). Chaque section est accompagnée d'un kiosque numérique illustrant comment les matériaux ont été cultivés, rassemblés et transformés en œuvres d'art.

Forêt

Le bois était au centre de la survie et de l'industrie au Moyen Âge. La section explore le bois en tant qu'élément clé de l'architecture, de la peinture et de la sculpture médiévales et montre comment les arbres et les forêts étaient chargés de significations superposées : d'une part, les espaces boisés étaient utilisés pour la chasse et les rassemblements agréables, et d'autre part, ils étaient des cadres qui évoquaient les superstitions, la peur et l'appréhension, voire le divin. La section explore également les coûts environnementaux liés à la récolte du bois.

Trois personnages en bois sculpté sur pied destinés à un usage ecclésiastique dominent la première galerie. Deux sont en chêne et un en tilleul, un bois préféré pour la sculpture en raison de sa souplesse et de son grain fin. Ces qualités sont apparentes dans les boucles fines comme un rasoir de la barbe sinueuse de Saint-Antoine, une figure en bois de tilleul sculptée vers 1500 de notre ère. Moins évidentes aujourd'hui sont les propriétés spirituelles et curatives que les médiévaux attribuaient au bois de tilleul, ce qui a peut-être conféré davantage de sens à l'œuvre.

Créée en même temps et visible à proximité se trouve une sculpture de la tête inclinée du Christ crucifié sculptée dans du chêne. En son temps, la sculpture aurait été polychromée de couleurs vives. L'usure de la finition de la peinture d'origine révèle comment le grain dur du bois et les modèles de croissance naturelle ont guidé l'artiste dans le façonnage de la forme et ont apporté un caractère particulier à la sculpture.

Le visiteur peut être surpris de tomber sur une peinture à l'huile dans la section "Forêt". Mais au Moyen Âge, les artistes peignaient souvent sur des planches de bois, qui convenaient bien aux objets portatifs de dévotion privée. "La vision de saint Eustache" (vers 1500) représente le saint patron des chasseurs dans une zone boisée au moment même où il rencontre un cerf avec un crucifix brillant entre ses bois.

Un livre d'heures magnifiquement illustré réalisé au début du XVIe siècle en France figure également dans cette section, ouvert sur une page consacrée à saint François, connu aujourd'hui comme le « saint patron de l'écologie ». Saint François a demandé à ses disciples de protéger le monde naturel et de respecter les créatures vivantes en tant que manifestations de la volonté de Dieu. La page manuscrite est l'une des 33 miniatures du livre peintes sur du vélin, un matériau lisse et durable fabriqué en écorchant et en traitant la peau d'un mouton, d'une chèvre ou d'une vache. L'encre était fabriquée à partir d'un mélange de galle de chêne, une substance extraite des chênes.

Dans cette galerie se trouve également un petit objet en bois qui, dans une autre exposition de musée, pourrait facilement passer inaperçu. Un élément architectural connu sous le nom de "boss" - un bloc de bois qui s'adapte sur les nervures du plafond comme une clé de voûte - est présenté ici parmi d'autres fragments architecturaux qui illustrent les caractéristiques du style gothique : des sculptures naturalistes regorgeant de fleurs, de feuillages et d'animaux, à la fois réels et imaginaires. Le patron invite le spectateur à se demander si le sculpteur sur bois a apprécié le fait que son schéma décoratif - une arabesque de feuilles de chêne et de glands - fasse écho à sa propre surface, un bloc de chêne.

Champ

Cette section présente des objets faits de matériaux dérivés de plantes et d'animaux. Commandant l'espace de la galerie se trouve une grande et magnifique tapisserie millefleurs ("mille fleurs") créée entre 1500 et 1525 dans ce qui est aujourd'hui la Belgique. Sur un fond pictural parsemé de fleurs, de tiges et d'herbes ressemblant à des bijoux, se trouve un éventail d'animaux gambadant. Certains devaient être familiers au maître tisserand - une chèvre et un coq boiteux dans la bouche des carnivores sauvages; un cerf cabré; un chien braillant; un bélier couché; et une colonie de lapins. D'autres ont été tirés de la tradition, y compris dans le coin inférieur droit une licorne (souvent un symbole allégorique du Christ). Cet exemple de pouvoirs imaginatifs médiévaux forgés dans la laine est exposé devant son institution d'origine, le Cincinnati Art Museum, pour la première fois en plus de 40 ans.

Une telle tapisserie murale était un symbole de richesse et de statut qui nécessitait des compétences extraordinaires et des mois de travail dévoué à produire. Ces tentures murales ont également fonctionné comme une forme précoce d'isolation et une sorte de mini-environnement. Smith note que "pendant les jours sombres et froids du confinement hivernal, des scènes vives comme celles-ci ont stimulé l'imagination et ont servi de rappel quotidien bienvenu de la promesse du printemps". En effet, certains historiens de l'art ont noté que les tapisseries sont devenues populaires à l'époque où le « petit âge glaciaire » a frappé. Cette période de changement climatique a duré d'environ 1300 à 1850, provoquant un temps humide et des températures glaciales.

La forte demande de laine - ainsi que de parchemin pour les manuscrits - a également eu des conséquences environnementales au Moyen Âge. D'immenses étendues de terre ont été aménagées pour l'élevage d'animaux, opposant parfois berger, fermier et bûcheron. Une perte de diversité biologique a résulté du pâturage des moutons en particulier, car ces animaux ont tendance à surpâturer, entraînant une réduction de la végétation et l'érosion subséquente des sols.

À proximité de la grande étendue tissée de flore et de faune se trouve une herboristerie ouverte sur une page avec deux illustrations sur bois de plantes herbacées. Exemple d'incunable ou d'un des premiers livres imprimés, l'herbe du XVe siècle a été produite en Allemagne à des fins thérapeutiques. Sa paire d'herbes à feuilles vertes est illustrée avec précision par une observation attentive, quelque 200 ans avant la taxonomie de Linnaeus.

Au XIIIe siècle, le processus de fabrication du papier à partir de chanvre et de lin était établi en Europe, introduit en Espagne par le contact avec l'Asie et le grand monde islamique. Cette évolution s'est ajoutée aux exigences que la création artistique imposait déjà au paysage européen. La production de livres au début du Moyen Âge est représentée dans La nature des choses par un folio du "Coran rose", un Coran du XIIIe siècle nommé d'après la couleur de son papier, qui a probablement été fabriqué dans le sud de l'Espagne dans la plus ancienne papeterie connue en Europe. Les vers de la page décrivent les éternités contrastées pour les pécheurs (les flammes de l'enfer) et les fidèles (un jardin paradisiaque), un sujet véhiculé en cinq lignes de texte en caractères gras avec des signes diacritiques et de vocalisation en or et bleu.

La demande croissante de soie a également contribué à la mosaïque des changements environnementaux en Europe. En vedette dans La nature des choses est un rideau de soie broché de couleur ambre, prêté par le musée d'art de Saint-Louis, qui a été tissé à la fin du XIVe siècle dans un motif d'étoiles à huit branches sur un fond d'arabesque compliqué. La demande croissante d'objets de luxe en soie signifiait l'intensification du commerce avec l'Asie, ainsi que l'introduction d'espèces non indigènes de vers à soie dans l'écosystème européen. Parce que les vers à soie subsistent sur les feuilles de mûrier, les fabricants de soie en Espagne ont planté de vastes superficies de mûriers, jusqu'à ce qu'il y ait jusqu'à 3 000 fermes de fabrication de soie dans le sud de l'Espagne.

L'ivoire était un autre matériau privilégié au Moyen Âge. Pour satisfaire l'énorme demande, d'innombrables éléphants ont été abattus pour leurs défenses et un commerce transcontinental s'est développé entre les Européens, qui exportaient des produits comme la laine et le cuivre, et les commerçants d'Afrique du Nord et de l'Ouest, qui exportaient l'ivoire, l'alun fixateur de teinture textile et d'autres matériaux précieux. "Couverture pour une table à écrire avec un sujet roman", attribuée à l'Atelier français des boîtes (1340-1360), est l'un des deux beaux objets sculptés en ivoire présentés dans l'exposition.

Lorsque l'ivoire était indisponible ou que le prix était prohibitif, les artisans se tournaient vers un substitut : l'os. Deux boîtes en os magistralement sculptées sont vues ici, l'une ornée de petits panneaux aux teintes beurrées de scènes de la vie du Christ façonnées par l'atelier vénitien du XIVe siècle de Baldassare degli Embriachi. La fabrication dépasse les matériaux communs, voire ignobles, d'os, de corne teintée et de bois à partir desquels le petit coffret a été fabriqué. Les Embriachi ont trouvé un marché pour ces boîtes en os fins dans la classe marchande montante de la fin des années 1400 et du début des années 1500, tout en réduisant les déchets grâce à l'utilisation de la ferraille.

Terre

La forme d'art la plus associée au Moyen Âge accueille le spectateur dans la galerie finale, un vitrail bleu, rouge, vert et or qui aurait à l'origine résidé dans la cathédrale du XIIIe siècle à Troyes, en France, son récit montrant Dieu et l'arbre de la connaissance alors qu'il avertissait Adam et Eve de ne pas manger ses fruits dans le jardin d'Eden.

Le principal processus médiéval de fabrication du verre nécessitait du sable et de la cendre de bois (potasse). En 1250 de notre ère, lorsque ce panneau a été fabriqué, la demande de verre s'était également étendue à la vie domestique, comme on peut le voir dans trois gobelets en verre à proximité fabriqués entre le XIIIe et le XVe siècle. "Forest Glass Beaker" (1500 CE) a une forme triangulaire dépassant de sa base. Ce "coup de pied" a renforcé la structure du verre afin qu'il soit moins susceptible de se briser lors du refroidissement dans le four de recuit.

Les chercheurs pensent que les verriers médiévaux ont développé le coup de pied pour minimiser les bris, réduire les déchets et, par conséquent, diminuer la quantité de bois de chauffage qu'ils utilisaient (sans parler des économies de coûts). Le bois était, après tout, essentiel pour une foule d'autres industries, et l'augmentation de la consommation requise par la fabrication du verre ajoutait au problème de la déforestation et des pénuries, qui tourmentaient les communautés médiévales.

Les potiers médiévaux ont également développé des moyens de réduire la quantité de bois nécessaire pour produire leur artisanat. L'un des résultats était le grès émaillé au sel, fabriqué en ajoutant du sel au four pendant la cuisson de la céramique. La réaction chimique a produit une fine glaçure de galets, ce qui signifie que les marchandises n'ont dû être cuites qu'une seule fois. Malheureusement, le processus de glaçage au sel a également libéré des nuages ​​de fumées toxiques, provoquant des risques pour la santé et une pollution de l'environnement. Au milieu du XVIe siècle, certaines villes allemandes ont banni les potiers en raison de préoccupations concernant la pollution et la consommation de bois. L'exposition comprend une cruche en terre cuite à surface de galets de la ville de Frechen, en Allemagne, où de nombreux potiers exilés se sont installés. Sous le visage jovial d'un motif courant à l'époque, un "homme sauvage" barbu est une ceinture de sangle inscrite trois fois en relief, "Hooray for a good drink !"

Cette section présente également un grand plat en terre cuite émaillée d'Espagne, orné de manière éclatante d'un dessin d'oiseau bleu. Ces articles émaillés à l'étain étaient recherchés comme objets de prestige, en partie à cause des matériaux coûteux nécessaires à leur fabrication. La surface crémeuse de cet objet était le résultat d'un glaçage à l'étain, un processus qui nécessitait d'obtenir de l'étain qui était probablement extrait dans le sud-ouest de l'Angleterre. La glaçure bleue vibrante utilisée dans la conception provenait de cobalt, probablement extrait en Allemagne, au Maroc ou aussi loin que l'Iran. Des marchandises comme celle-ci témoignent des réseaux sophistiqués à longue distance qui approvisionnaient les artistes médiévaux en matériaux. Ils révèlent également comment la demande d'ingrédients artistiques en un seul endroit peut exercer des pressions environnementales à des centaines, voire des milliers de kilomètres.

Carrière et Mine (Stone Metal)

Les quatre siècles entre 1100 EC et 1500 EC ont vu un pic dans la construction d'une architecture en pierre massive en Europe. On estime que des millions de pieds cubes de pierre ont été nécessaires pour construire les 500 grandes cathédrales et les milliers de petites églises et d'enceintes monastiques qui ont été construites à cette époque. Contrairement au bois et à de nombreux autres matériaux artisanaux fabriqués à partir de matières végétales et animales, la pierre est non renouvelable. The Nature of Things examine comment les carrières ont transformé la terre de façon permanente, laissant d'énormes fosses dans la terre ou aplatissant les flancs des collines en enlevant des blocs de pierre géants.

Les fragments architecturaux exposés dans cette section témoignent non seulement de la façon dont la construction peut perturber le paysage, mais aussi de la façon dont les forces géologiques peuvent guider la sélection et l'utilisation d'une pierre particulière. Le calcaire et le marbre étaient fréquemment recherchés pour la sculpture d'ornements architecturaux en raison de leur douceur relative, et des exemples des deux sont représentés dans l'exposition.

Parmi les sept fragments architecturaux en pierre sculptée exposés dans cette section se trouve une colonne de marbre exceptionnelle représentant les apôtres Matthieu, Jude et Simon regardant le spectateur, le dos l'un à l'autre. C'est l'une des quatre colonnes représentant les 12 apôtres qui soutenaient autrefois l'autel d'une abbaye bénédictine à côté de la cathédrale de Saint-Jacques-de-Compostelle en Espagne. La configuration intègre littéralement la conception médiévale des apôtres comme piliers de l'église dans la structure même de l'autel.

Un autre matériau particulièrement apprécié des sculpteurs après le milieu du XIVe siècle était l'albâtre, une pierre incroyablement douce, située à seulement un pied ou deux sous terre. Nécessitant un minimum de travail pour extraire et sculpter, l'albâtre était bien adapté à un continent européen dont la population avait été décimée par la peste noire.

En entrant dans cette galerie, le visiteur rencontrera également une variété d'objets liturgiques précieux fabriqués en or, argent, bronze et cuivre. Leur brillance et leur durabilité répondaient au besoin des fidèles chrétiens d'artefacts qui étaient des équivalents visuels de l'amplitude, de la pureté et de la perfection de Dieu.

Un manuscrit enluminé réalisé à Paris vers 1400 de notre ère est présenté ici, ouvert sur une page enluminée de feuilles d'or, sa scène miniature encadrée de bordures florales, de majuscules illuminées et d'ornements de lignes. Dans cette galerie se trouvent également un encensoir en bronze en forme de cloche traîné par une longue chaîne et une boucle de suspension; un coffret à reliques en cuivre doré et émaillé de Limoges ; et un ostensoir en cuivre et vermeil d'Allemagne qui est tout en entrelacs gothiques délicats.

"L'éblouissement de l'or avait une signification spirituelle au Moyen Âge, lorsque la lumière était considérée comme une manifestation du divin", note Smith. L'or que les Européens désiraient si ardemment était principalement acquis en Afrique de l'Ouest en échange d'une variété de produits européens, dont le cuivre et la laine.

Les mineurs prémodernes ont creusé des tunnels dans la terre et arraché la couche arable pour atteindre des minerais précieux, rasant parfois des paysages entiers, en particulier dans le sud et l'est de l'Allemagne, où l'extraction du cuivre et de l'argent étaient des industries majeures. Un point culminant de cette section de l'exposition est un aquamanile en alliage de cuivre en forme de lion de Basse-Saxe. L'aiguière aurait probablement été utilisée pour le lavage cérémoniel des mains dans le cadre de l'Eucharistie chrétienne ou dans un cadre profane au moment des repas. L'art médiéval n'était pas sans esprit : l'eau jaillissait de la gueule du lion.

Faire l'exposition

Comme de nombreux musées à travers le monde, la Pulitzer Arts Foundation est aux prises avec des questions de durabilité et d'impact écologique. Pour The Nature of Things, le Pulitzer a réduit sa consommation de carburant en empruntant uniquement des œuvres d'art au niveau national, plutôt qu'en expédiant des œuvres d'art à l'international, même si les plus grandes collections d'art médiéval se trouvent en Europe. Les principaux objets internationaux sont représentés à la place par le biais de kiosques numériques tout au long de l'exposition. De plus, les socles et les vitrines des expositions précédentes sont réutilisés et la production de nouveaux matériaux d'exposition est limitée. Ces efforts font partie de l'effort plus large du Pulitzer pour comprendre son impact écologique.

À propos de la Fondation Pulitzer pour les arts

Située au cœur de Saint-Louis, la Pulitzer Arts Foundation présente des œuvres d'art du monde entier dans son célèbre bâtiment de Tadao Ando et dans son quartier environnant. Les expositions comprennent à la fois de l'art contemporain et historique et sont complétées par un large éventail de programmes publics gratuits, notamment de la musique, des arts littéraires, de la danse, du bien-être et des discussions culturelles. Fondé en 2001, le Pulitzer est un lieu où les idées sont librement explorées, de nouvelles œuvres d'art sont exposées et des œuvres historiques réinventées.

En plus du musée, le Pulitzer dispose de plusieurs espaces extérieurs : Park-Like, un jardin pluvial de plantes indigènes ; l'église du printemps, un pavillon sans toit et un monument bien-aimé ; et le Tree Grove, un lieu de pique-nique calme et ombragé. Le musée est ouvert du jeudi au dimanche, de 10h à 17h, le soir jusqu'à 20h le vendredi. Le campus extérieur est ouvert tous les jours, du lever au coucher du soleil. L'entrée est gratuite. Pour plus d'informations, visitez pulitzerarts.org ou sur les réseaux sociaux @pulitzerarts.

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