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Points forts

Certaines de nos œuvres les plus populaires vous ont marqué ? Souhaitez-vous explorer davantage? Si tel est le cas, nos conservateurs se feront un plaisir de vous suggérer des œuvres moins connues qui, selon eux, pourraient vous plaire.

American Gothic, l'une des peintures les plus reconnues et les plus parodiées de notre collection, présente une vision de l'Amérique rurale à la fois nostalgique et ironique.

Peinte à une époque où le pays était en proie à la Dépression et où les gens quittaient la vie rurale pour les villes, la peinture de Grant Wood de deux Iowans debout devant une ancienne ferme a puisé dans le sentiment de vouloir revenir à ce que beaucoup de gens considéraient comme des valeurs américaines authentiques.

La conservatrice Sarah Kelly Oehler recommande Strange Worlds de Todos Geller, une peinture qui capture le mélange complexe des traditions de l'Ancien Monde et de la culture moderne qui se produit alors dans des villes comme Chicago. L'un rural, l'autre urbain, il semblerait que les deux tableaux ne puissent pas être plus éloignés l'un de l'autre. Mais ils évoquent également la vie aux États-Unis à cette époque pour les diverses populations du pays.

Todros Geller a immigré au Canada depuis l'Ukraine après avoir été témoin des massacres lors des pogroms de 1906. Il est venu à Chicago en 1916, où il s'est inscrit à la School of the Art Institute, puis a consacré sa carrière à faire de l'art au service de la grande communauté juive de la ville dont il faisait partie. Peint deux ans avant le gothique américain, le tableau de Todros représente un vieil homme portant une longue barbe et des vêtements traditionnels, debout devant un kiosque à journaux sous les rails d'El. Le mouvement trépidant de la rue de la ville derrière lui est capturé par le genre de cercles tourbillonnants que l'artiste aurait pu voir dans les peintures futuristes italiennes. L'expression sur le visage de l'homme est stoïque ; ses yeux regardent à l'intérieur alors qu'il se tient au milieu de la foule et du bruit. C'est vraiment la rencontre de deux mondes étranges.

Galerie 263

L'une des peintures les plus célèbres de Motley, Nightlife dépeint un cabaret bondé dans le quartier South Side de Bronzeville à Chicago.

La composition dynamique, l'éclairage intense et les couleurs rehaussées expriment avec éclat la vivacité et le dynamisme des jeunes citadins sophistiqués qui passent une nuit en ville.

La conservatrice Sarah Kelly Oehler recommande Twilight de Hale Woodruff, une peinture qui offre un coucher de soleil égal dans son intensité visuelle au monde intérieur de Nightlife. Les deux artistes se sont tournés vers des couleurs vives et audacieuses pour exprimer une exubérance pure ; tandis que Motley peignait les roses vifs et les violets de la lumière artificielle, Woodruff exprimait une joie similaire trouvée dans la nature.

Dominé par des stries audacieuses de pigments rouges, roses, bleus et verts, l'audace et la spontanéité de Twilight peuvent le lier aux œuvres de peintres postimpressionnistes en Europe, en particulier les Fauves (français pour "bêtes sauvages"). Cependant, il a été peint un monde loin de Paris, à Indianapolis, où l'artiste a travaillé au YMCA local en tant qu'illustrateur indépendant. Faisant l'éloge du jeune artiste afro-américain, l'auteur acclamé de la Renaissance de Harlem, Alain Locke, a déclaré que "M. Woodruff peint des paysages d'originalité", avec une "beauté chaleureuse" de la couleur. L'application de peinture épaisse de Woodruff crée un motif dense, bien que varié : la petite colline est une riche tapisserie de coups de pinceau courts et rapides, tandis que de longs traits fluides rayonnent des arbres pour définir le ciel éblouissant à la fin de la journée.

Galerie 271

Richard Hunt était fasciné par la mythologie et l'idée de construire un héros, a-t-il dit, "était comme un moyen d'aller à la fois en arrière et en avant dans le temps".

Créée en 1958, peu de temps après avoir obtenu son diplôme de la School of the Art Institute, la sculpture abstraite mais reconnaissable de Hunt est composée d'objets découverts dans des dépotoirs et dans la rue - de vieilles pipes, des morceaux de métal et des pièces automobiles. Il voulait "suggérer un héros, et non en faire un héros".

La conservatrice Robyn Farrell recommande Sanctuary de Martin Puryear, une œuvre fantaisiste et sophistiquée qui concilie un désir de stabilité avec un besoin de changement.

© Martin Puryear, avec l'aimable autorisation de la galerie Matthew Marks

En 1977, un incendie a détruit un vaste corpus d'œuvres d'art de Martin Puryear, ainsi que bon nombre de ses biens matériels. Résultant en ce qu'il a appelé "une période de deuil suivie d'une légèreté et d'une liberté incroyables", l'événement s'est avéré déterminant pour diriger le travail ultérieur de l'artiste. Un an plus tard, Puryear entame une série de sculptures autour des thèmes du mouvement et de l'abri. Sanctuary incarne ce qu'il a décrit comme "la mobilité avec une sorte d'évasion, de survie par la fuite". Créée 25 ans après la construction en acier de Hunt, la sculpture de Puryear associe des jeunes arbres sauvages à un abri soigneusement façonné, célébrant la beauté du bois dans ses états naturels et raffinés. La sculpture, dans son état apparent de mouvement arrêté, exalte la liberté de la stase.

Galerie 297

Le chef-d'œuvre pointilliste de Georges Seurat, Un dimanche sur la Grande Jatte - 1884, capture l'air du temps de Paris à la fin du XIXe siècle.

L'artiste s'est éloigné de l'impressionnisme, n'ayant aucun intérêt à capturer le jeu de la lumière et de la couleur à un moment particulier. Sa représentation des Parisiens à loisir a été méticuleusement planifiée et exécutée, chaque figure distincte et soigneusement dessinée, sans danger de se confondre avec le paysage.

La commissaire Gloria Groom recommande Ad Astra d'Axeli Gallen-Kallela, une œuvre qui capture la Finlande natale de l'artiste aussi distinctement que La Grande Jatte Paris.

Comme beaucoup de jeunes artistes, Gallen-Kallela se rendit à Paris, mais à une époque où l'impressionnisme était en déclin, et il tomba sous l'influence d'artistes comme Seurat et Munch. Inspiré par le symbolisme ainsi que par le mouvement d'avant-garde Art nouveau, l'artiste a créé Ad Astra, qui signifie "vers les étoiles". Le tableau, qui ressemble à un conte folklorique finlandais, représente une jeune femme debout dans l'eau devant une lune et un ciel stylisés. Sa pose est formelle, comme celle des parisiennes de Seurat, bien que ses yeux et son visage soient spécifiques et réels. Pour les deux artistes, l'idée du cadrage était importante. Seurat a peint une bande colorée pour séparer la toile du cadre. Gallen-Kallela a créé un lourd retable dont le motif sur les portes en bois sculpté, repris par les cheveux de la jeune fille, fait référence aux racines finlandaises de l'artiste. Bien que de ton différent, les deux œuvres parlent d'un esprit exubérant, peut-être celui de deux artistes essayant, peut-être inconsciemment, de capturer leur psyché nationale.

Galerie 246

Le visage de Van Gogh n'est pas seulement aussi connu que son art, il en est inséparable.

Van Gogh a peint plus de 35 autoportraits au cours de sa vie ; celui-ci a été créé à Paris sous l'influence du pointillisme de Seurat. Les touches de peinture intenses permettent à l'artiste de se concentrer sur lui-même, donnant au spectateur un sens profond de la présence de l'artiste.

La curatrice Gloria Groom recommande Femme à sa toilette de Berthe Morisot, une œuvre impressionniste qui propose un portrait intime d'une femme sans dévoiler ses yeux ni son visage.

S'il était peint par un artiste masculin de l'époque, ce portrait représenterait probablement une belle femme érotisée. Morisot refuse au spectateur ce type d'accès et se concentre plutôt sur un corps dans l'espace, une femme dans sa chambre. Comme pour le portrait de Van Gogh, il s'agit de peinture sur la toile, bien qu'au lieu de points, il y ait de petits tourbillons de peinture, comme s'ils étaient appliqués avec un mouvement centrifuge du pinceau. Une grande partie de la scène se dissout, mélangeant la robe de la femme avec son lit et son papier peint, même sa peau. Là où Van Gogh présente une ambiance de défi et de mélancolie, c'est intime et introspectif. Morisot a signé son nom sur le bord du miroir, comme pour dire que même si c'était son reflet, c'en est un qui respecte l'intimité et le besoin de solitude.

En prêt temporaire

L'image de la figure blindée sur un cheval blindé évoque le sentiment d'entrer dans une bataille, où l'armure a des objectifs pratiques et vitaux.

Cette armure composite, habilement forgée en acier, a été habilement conçue pour la protection et atteint sa beauté par l'élégance simple de ses lignes et de sa forme austère plutôt que par sa décoration de surface.

Le conservateur Jonathan Tavares recommande Portions of a Field Armor, qui met en valeur le talent artistique et les fioritures décoratives nécessaires à la fabrication d'armures pour les mécènes royaux.

Cette demi-armure a été produite vers 1588-1590 par l'armurier allemand Jacob Halder, qui travaillait sur le terrain du palais de Greenwich à l'extérieur de Londres. Conçu pour un noble de haut rang, il présente des bandes de gravures et de dorures parfaitement décorées et une silhouette qui imite la robe à la mode du jour. La forme de la cuirasse, large aux épaules, étroite à la taille et évasée au niveau du ventre, imite la coupe peacod (en forme de cosse) d'un pourpoint de gentilhomme de la même époque. Malgré la décoration somptueuse et la forme exagérée, cette armure était destinée au champ de bataille et capable de résister aux tirs de mousquet. En effet, il fut mis en service en 1588, au moment même où l'Angleterre se préparait à l'invasion de l'Armada espagnole. Pour le noble à la mode qui a commandé ce harnais, démontrer la richesse et le statut était aussi important que protéger la vie et l'intégrité physique.

Galerie 239

Montré dans une pose classique, les yeux baissés, ce bouddha est assis dans la posture méditative de padmasana, ou position du lotus, les mains sur les genoux.

Ce qui est remarquable avec ce bouddha monumental, c'est qu'il est sculpté dans du granit, si difficile à tailler. Il avait autrefois honoré un site monastique près de Nagapattinam, l'un des rares endroits où le bouddhisme était encore florissant en Inde au 12ème siècle.

Le conservateur Madhuvanti Ghose recommande ce Bouddha debout avec la main gauche en geste d'offrir des cadeaux, également de la même région.

La ville portuaire de Nagapattinam, dans le sud de l'Inde, a prospéré pendant la période Chola, lorsque des marchands à voile venaient faire du commerce et que des moines de toute l'Asie débarquaient pour étudier dans ses célèbres monastères. La région est surtout connue dans le monde entier pour ses belles sculptures en bronze bouddhistes, hindoues et jaïnes, en particulier des reliques plus petites et plus portables qui pourraient être transportées par les pèlerins en déplacement. Ce bouddha se tient debout, l'air méditatif, les yeux en forme de lotus baissés et la main droite en geste de réconfort (abhayamudra), la main gauche en geste d'offrande (varadamudra). Les trous de la base rectangulaire indiquent que ce bronze aurait été porté en procession. Alors que le bouddhisme s'est finalement éteint en Inde, il s'est répandu à travers l'Asie - du Pakistan et de l'Afghanistan au Tibet et à la Chine, et de l'Asie du Sud-Est à l'Indonésie, donnant lieu à de nouvelles interprétations et variations stylistiques.

Galerie 140