Revue d'art : "Jeune Picasso à Paris" au Guggenheim

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Une petite exposition exquise au Guggenheim montre comment la ville lumière a transformé l'artiste espagnol de 19 ans. Un tableau dit tout.

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Par Roberta Smith

Certaines célébrations sont éphémères, d'autres apportent des résultats permanents et tangibles. Avec "Jeune Picasso à Paris", petit bijou d'exposition, le musée Guggenheim joue sur les deux tableaux.

Organisée par Megan Fontanella, conservatrice d'art moderne et de provenance du Guggenheim, cette exposition est l'une des plus de 30 organisées dans des musées européens et américains dans le cadre de "Picasso Celebration : 1973-2023", qui a été menée par le Musée Picasso-Paris à l'occasion du 50e anniversaire de la mort de l'artiste. Le fait semble être qu'au cours du demi-siècle qui s'est écoulé depuis lors, l'héritage du plus grand artiste du XXe siècle reste intact, continue d'influencer de nouvelles générations d'artistes et contient encore des mystères à découvrir par les érudits et les nouvelles technologies.

Le spectacle Guggenheim atteint toutes ces marques. Le musée s'est servi de cette célébration comme d'un élan pour poursuivre l'analyse (initiée en 2018) et entreprendre la conservation de son tableau de Picasso le plus connu et le plus aimé : « Le Moulin de la Galette », de 1900, et faire de cette œuvre séduisante et subtilement rafraîchie la pièce maîtresse du « Jeune Picasso ».

Comme le montre Picasso, il a une légèreté particulière. D'une part, il ne contient que 10 œuvres. Mais il est également soulagé par l'histoire de la vie oppressante, inoubliable, souvent dérangeante de l'artiste, dont il n'y avait pas encore grand-chose. Cela nous donne Picasso avant qu'il ne soit Picasso, qui était essentiellement Picasso avant qu'il ne connaisse Paris.

Il s'y était rendu de Barcelone en train avec son ami, le poète et peintre espagnol Carles Casagemas, afin de visiter l'Exposition universelle, qui touchait à sa fin. Il voulait voir un tableau de son accrochage dans le pavillon espagnol. Il s'agit de « Last Moments » de 1898, qu'il repeint en 1903 sous le nom de « La Vie », un point culminant de sa période bleue.

Mais la plus grande mission de Picasso était de respirer à Paris - la capitale du XIXe siècle selon les mots de Walter Benjamin - et de suivre un cours intensif sur la peinture française moderne. Au cours de la visite, il a travaillé dur dans des studios partagés avec d'autres artistes et souvent leurs modèles. Et il goûte avec voracité à tout ce que la ville a à offrir à un jeune artiste au talent effrayant, ambitieux, curieux, sociable mais provincial. Il a visité des musées pour voir des œuvres d'art plus anciennes et des galeries pour découvrir les dernières nouveautés. Il a participé à la vie nocturne bohème glamour dans les cafés, cabarets et salles de danse, dont "Le Moulin de la Galette" était le plus célèbre.

Et il fait connaissance avec des gens, d'abord des artistes et des écrivains espagnols, dont certains qu'il a connus à Barcelone, et un cercle grandissant de Parisiens au fur et à mesure qu'il apprend le français.

Au Guggenheim, "Le Moulin de la Galette" occupe une place de choix dans une grande galerie peinte dans un bleu foncé légèrement frais (en température). Régnant dans une magnifique solitude depuis l'un des murs les plus longs, cette séduisante vue grand angle dépeint une salle de danse pleine de belles personnes - des femmes élégamment tournées et des hommes haut de forme - qui dansent, boivent et échangent des plaisanteries ou des commérages pendant que leurs yeux glissent, cherchant peut-être le sujet même de la discussion. C'est relativement calme - Picasso peindrait aussi des danseurs de cancan, mais pas maintenant - une foule suave et sophistiquée peinte par un artiste qui comprenait parfaitement ses modes, son langage corporel et ses relations interpersonnelles.

Il le montre également en train de réfléchir aux styles de peinture de ses aînés - Renoir, Toulouse-Lautrec, l'illustrateur d'origine suisse Théophile Steinlen en particulier. Je pourrais ajouter un soupçon de Seurat, pour rendre compte des formes classiques douces et imperturbables de la clientèle du dancing.

L'obscurité ambiante, dans laquelle les manteaux noirs des hommes alternent avec les couleurs et les tissus subtils des vêtements des femmes, doit quelque chose à l'amour de Picasso pour Velázquez et Goya. Mais les couleurs qui fleurissent de ses ombres s'illuminent dans plusieurs des autres tableaux: dans le pointillisme grossier de "Femme de profil" et "Courtisane au chapeau", et les couleurs plates de "The Diners" - en particulier la banquette rouge sur laquelle le couple dépareillé est assis. Dans le défilé du « 14 juillet » - le seul aperçu de la lumière du jour ici - des touches de rouge, de blanc et de bleu suggèrent un impressionnisme agacé.

L'exhaustivité et la complexité - l'incroyable poussée de croissance - de "Le Moulin de la Galette" ne peuvent être sous-estimées. C'est l'un des premiers tableaux que Picasso a réalisés à Paris - le chef-d'œuvre de cette première immersion transformatrice de deux mois. C'était aussi le premier Picasso à entrer dans une collection française, se vendant rapidement par l'intermédiaire de la marchande d'art Berthe Weill - dont le rôle dans la découverte de Picasso est souvent négligé - à l'éditeur et collectionneur progressiste Arthur Huc.

"Le Moulin de la Galette" n'est plus visible depuis novembre 2021. Sa conservation minutieuse a été dirigée par Julie Barten, conservatrice en chef des peintures du musée, avec la contribution de Fontanella. Un peu comme les médecins, le serment du restaurateur est de ne pas nuire, ou plus précisément de ne rien irréversible. Ils ne lancent un projet qu'après avoir atteint un consensus basé sur des discussions avec des collègues - historiens de l'art, conservateurs et restaurateurs de leur propre musée et d'autres musées.

À plus d'un titre, toute cette conversation doit compenser certains des aspects intrinsèquement solitaires, angoissants et artisanaux de la tâche du conservateur. C'est ainsi que Barten s'est aventuré dans le nettoyage méticuleux de la surface du tableau, en utilisant des morceaux de coton et de papier humide pour enlever une couche de crasse, puis une couche de vernis jauni qui avait été appliqué il y a des décennies, mais certainement pas par Picasso.

Une composante croissante de la conservation est la collecte et l'analyse de données par des chercheurs scientifiques utilisant des instruments de grande puissance, généralement en réponse à des questions spécifiques des restaurateurs. Dans ce cas, l'aide essentielle est venue des chercheurs du Metropolitan Museum of Art et de la National Gallery of Art.

Généralement, ces efforts combinés ont nettoyé la surface du tableau, ravivé ses couleurs et la lueur de la lampe à gaz ; a élargi la profondeur de son espace atmosphérique et rendu certaines formes - les hauts-de-forme, la carafe et les verres sur la table - plus pleinement dimensionnelles tout en révélant certaines des modifications apportées par Picasso au cours de son travail.

L'un est la pile sombre au bord inférieur de la peinture, côté gauche, qui ressemble à des manteaux empilés sur une chaise à la table vêtue de blanc. Un épagneul King Charles à la robe auburn s'y reposait autrefois, portant un arc vermillon et regardant dans notre direction. La table accueillait également une deuxième chaise vide.

L'un des plus grands moments de l'exposition est un dessin vigoureux de 1900 au fusain et au crayon d'une collection privée en Europe qui est montré dans ce pays pour la première fois. C'est comme un grand instantané, un selfie de groupe en quelque sorte, qui représente Picasso et ses amis prenant un congé exubérant de l'Exposition Universelle. Avec leurs bras liés, leurs corps et leurs membres se penchent et se chevauchent dans différentes directions et tons de noir. Ils ont un air joyeux et burlesque, soit par ivresse, soit par excitation de voir le tableau de leur jeune ami exposé au public à Paris. Le talent de Picasso pour la caricature est évident dans la frise indisciplinée, la ligne de chœur pataugeant des camarades. L'épagneul King Charles au premier plan de cette scène a échappé à l'effacement.

Les exceptions à l'accent mis par l'exposition sur la vie sociale parisienne et ses habitués sont deux autoportraits intenses de 1901, dont Picasso passe les premiers mois à Madrid puis à Barcelone. (Il était retourné dans sa ville natale, Malaga, pour Noël et pour voir si un oncle pouvait payer sa conscription.) Le premier autoportrait date peut-être de cette époque. Il montre un artiste exagérant son célèbre regard intense et brûlant au milieu d'un fond sombre de pinceau quasi expressionniste qui entoure son visage d'une aura de bleu.

Le deuxième autoportrait date des derniers mois de 1901, après son retour à Paris mi-mai pour préparer son premier solo parisien à la galerie d'Ambroise Vollard. Cette vue de trois quarts montre l'artiste, inhalant sa puissante personnalité. Ce sont toutes des zones autonomes : le fond bleu plat tendant vers la couleur du mur du spectacle ; son expression pâle, un peu sombre mais hésitante et la dalle solide et sombre de son pardessus. Il ressemble un peu à un capitaine sur le point de couler avec son navire.

Ces deux tableaux ouvrent la porte à la première phase ou style que Picasso pourrait appeler le sien : sa Période Bleue, qui se détourne des couleurs et des ambiances plus vives de ses premiers tableaux parisiens. Il introduit un mode figuratif plus original - malgré les dettes envers El Greco et le symbolisme - et se tourne vers l'intérieur, vers la mélancolie et la privation qui reflètent le tempérament inhérent de Picasso, sa pauvreté persistante et son deuil de la mort de son ami Casagemas, qui s'est suicidé à Paris en février 1901, alors que l'artiste était en Espagne. Cet autoportrait obsédant fait effectivement tomber le rideau sur la première dégustation bouillante de Picasso de la Ville Lumière.

Le jeune Picasso à ParisDu 12 mai au 6 août, Musée Guggenheim, 1071 Cinquième Avenue, Manhattan, (212) 423-3500 ; guggenheim.org.

Roberta Smith, co-critique d'art en chef, passe régulièrement en revue les expositions de musées, les foires d'art et les expositions de galeries à New York, en Amérique du Nord et à l'étranger. Ses domaines d'intérêt particuliers incluent les textiles céramiques, l'art folklorique et brut, le design et l'art vidéo. @robertasmithnyt

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