Les artistes latino-américains réinventent leurs histoires

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Selon notre critique, "Chosen Memories" au MoMA est l'une des expositions de collection les plus émouvantes. Le thème du changement et de l'instabilité est un fil conducteur.

De Holland Cotter

Le pays des braves et de la liberté a toujours été baissier sur les frontières, sur qui entre, qui reste dehors. Politiquement, nous ressentons énormément cette tension maintenant. Et cela a toujours été évident sur le plan culturel, par exemple, dans le type d'art que nos musées ont fait franchir à la porte.

Le modèle long mais sporadique de collecte d'art latino-américain du XXe siècle du Musée d'art moderne offre une jauge constructive. Au début, il a favorisé l'art qu'il semblait considérer comme une espèce d'exotisme: folklorique, surréaliste, preuve que le sud de la frontière était un terrain sauvage et à peine moderne.

Après la Seconde Guerre mondiale, les échanges culturels étant de plus en plus utilisés comme outil diplomatique, le MoMA voulait s'engager davantage dans le nouvel art latino-américain, mais maintenant un art d'un genre qui semblait être fait par des "gens comme nous" - c'est-à-dire un travail qui semblait porter des preuves claires de l'ADN européen, comme l'abstraction géométrique.

Puis, dans les années 1970, vint la récession mondiale. Les marchés de l'art ont fait faillite. Et dans la confusion, les murs ont commencé à s'effondrer lorsque le remaniement de la permission appelé multiculturalisme – pro-diversité, anti-essentialiste – est arrivé.

De plus en plus, à mesure que cet épisode initial de ce que l'on appelle parfois le postmodernisme recule dans l'histoire, il semble être l'une des heures les plus belles et les plus germinatives de l'art du XXe siècle. Le MoMA a mis du temps - des décennies - à s'y mettre, mais il est bien parti pour en juger par "Chosen Memories: Contemporary Latin American Art from the Patricia Phelps de Cisneros Gift and Beyond", l'une des expositions de collection de musée les plus émouvantes que j'ai vues à New York depuis un moment.

Dans les années 1970, Patricia Phelps de Cisneros, originaire du Venezuela et administratrice de longue date du MoMA, s'intéressait déjà à l'art latino-américain sur un large spectre : art indigène ; Œuvre du XIXe siècle réalisée par les Européens qui s'y rendent ; artefacts coloniaux hybrides ; et la peinture et la sculpture modernistes. En 2016, elle a donné au musée plus de 100 œuvres modernistes, et il y avait un spectacle. Mais déjà à ce moment-là, elle avait tourné son attention vers l'art nouveau et en 2019, il y avait un cadeau encore plus grand, celui du travail contemporain, y compris la photographie et la vidéo.

Quelque trois douzaines d'exemplaires, datant pour la plupart des trois dernières décennies et complétés par des emprunts, composent le spectacle actuel. Et ensemble, ils réfléchissent - et réfléchissent de manière critique - à toutes les catégories de l'art latino-américain qui l'ont intéressée dès le départ.

Par exemple, l'histoire complexe du colonialisme, largement effacée de l'abstraction moderniste, est mise en jeu dans l'une des premières entrées de l'exposition, "The Catherwood Project" de l'artiste argentin Leandro Katz.

Dans les années 1840, l'artiste anglais Frederick Catherwood s'est rendu deux fois en Amérique centrale et y a réalisé des dessins de ruines mayas. Publiées sous forme de tirages, ses images ont donné au public européen un premier regard sur ces monuments antiques et ont établi une vision romancée du "Nouveau Monde" qui persiste dans le tour-bus actuel. Dans sa série "Catherwood". Katz considère l'exactitude de ces images à travers des comparaisons sur place : Il se photographie tenant les images de l'illustrateur devant les monuments mayas qu'elles représentent. Katz note les manipulations de Catherwood, mais comprend également qu'il ajoute inévitablement sa propre vision déformante du XXe siècle à une histoire perceptuelle en couches.

La culture indigène, cruciale mais sous-reconnue par le modernisme européen, est mentionnée à plusieurs reprises dans l'émission. En 1996, l'artiste d'origine mexicaine Laura Anderson Barbata a passé du temps avec les Yanomami dans la forêt amazonienne vénézuélienne pour apprendre, par la pratique, comment ils créaient leurs gracieux canoës. En échange de cet enseignement, elle leur apprend la fabrication du papier. Nous voyons les fruits de la réciprocité dans l'exposition : dans une photographie, que Barbata a intitulée « Autoportrait », d'un bateau sculpté à la main debout comme s'il avait une vie propre ; et dans des dessins fluides de la faune et de la flore amazonienne par l'artiste yanomami Sheroanawe Hakihiiwe, tous réalisés sur du papier fibre fait à la main.

Certains artistes font une chose habile et ludique de la tradition. L'artiste mexicain Gabriel Kuri joue avec les notions de valeur, de travail et de culture de consommation dans son image tissée au métier d'un reçu de supermarché. Il en va de même pour le collectif portoricain appelé "Las Nietas de Nonó", composé de deux sœurs (Mulowayi Iyaye Nonó et Mapenzi Chibale Nonó) qui, isolées pendant la pandémie, ont transformé leur quotidien en une sorte de pique-nique de chasseurs-cueilleurs de retour aux sources.

Ce qui est pris au sérieux, c'est quelque chose dont la plupart des arts traditionnels occidentaux ne savent plus quoi faire, mais que le multiculturalisme a notamment respecté : la spiritualité. Dans une peinture de 2020 de l'artiste d'origine dominicaine Firelei Báez, une puissante divinité féminine afro-caribéenne danse et domine une carte européenne de l'océan Atlantique du XVIe siècle.

Et dans des dessins au crayon, l'artiste colombo-coréenne Gala Porras-Kim documente des centaines de fragments de textile laissés, il y a des siècles, comme offrandes de temple au dieu maya de la pluie et maintenant conservés dans un musée ethnologique de l'Université de Harvard. L'exposition comprend une lettre que l'artiste a écrite au directeur du musée lui demandant de libérer les offrandes de leur prison d'archives et de leur permettre de se transformer en poussière comme leurs donateurs l'avaient prévu. Leur caractère périssable, soutient-elle, est ce qui les a rendus puissants.

Le thème du changement et de l'instabilité, ici souvent encadré comme une perte, est l'un des fils conducteurs de l'émission, et un fil compliqué. Historiquement, la perte peut être violente, comme le suggère une œuvre féroce de la toujours étonnante artiste de performance guatémaltèque Regina José Galindo. Pour un travail de 2010 intitulé "Looting", qui traite des déprédations extractives du colonialisme européen sur sa patrie riche en minéraux, elle a fait équiper huit de ses dents par un dentiste au Guatemala avec des plombages en or extrait localement, puis a demandé à un deuxième dentiste, en Europe, de retirer les plombages, qui sont exposés comme de l'art dans une vitrine.

Plusieurs ouvrages sur la perte sont, comme le sien, politiquement chargés. Une courte vidéo intitulée "Black Anthropology II" de 2014 par Paulo Nazareth en est une. L'artiste y repose à demi enseveli sous des tas de crânes et d'ossements humains, restes de prisonniers afro-brésiliens qu'il a retrouvés entreposés dans un musée de la police à Bahia.

Dans une photographie de 1989 intitulée "Les deux Fridas", les militants homosexuels chiliens Francisco Casas Silva et Pedro Mardones Lemebel (1952-2015) posent, torse nu et jupe, leurs corps reliés par des tubulures intraveineuses, dans un riff de l'ère du sida sur le célèbre double autoportrait de Kahlo.

Leur photo peut être lue comme un hommage au partenariat, artistique ou affectif, ou les deux. Une petite sculpture enjouée peut-elle être assemblée à partir d'un pupitre, d'une paire de cisailles de jardin et d'une seule rose, dédiée à un ami - un amoureux ? — par l'insaisissable polymathe vénézuélien Claudio Perna (1938-1997).

Il y a une ambiance commémorative dans cette pièce, comme dans une vidéo de 2009 qui a en fait été conçue comme un geste de deuil à l'avance par l'artiste uruguayen Alejandro Cesarco. Intitulé "Present Memory" (2010), il s'agit d'un portrait filmé muet du père de Cesarco, un médecin, réalisé peu de temps après avoir reçu un diagnostic de cancer du poumon en phase terminale. Nous voyons l'homme plus âgé, avec son costume élégant et sa moustache extravagante, assis impassiblement dans son bureau et vu à plusieurs reprises sous différents angles, comme pour fixer ses traits dans nos esprits. Puis la caméra parcourt la pièce, désormais vide. Il est parti.

Une tonalité fondamentale de l'exposition - organisée par Inés Katzenstein, conservatrice de l'art latino-américain au MoMA et directrice du Cisneros Research Institute, et Julia Detchon, assistante à la conservation - est distillée ici : une sorte de mélancolie inquiète, ironique et réaliste qui semble très différente de l'utopie souvent attribuée à l'art latino-américain sur la base de la peinture abstraite géométrique qui l'a, jusqu'à récemment, défini dans de nombreuses collections de musées nord-américains.

En fait, l'abstraction géométrique est présente, bien qu'ambiguë, dans "Chosen Memories", sous la forme d'une peinture murale in situ de l'artiste brésilien Iran do Espírito Santo. Composée entièrement de lignes verticales dans des nuances de gris subtilement variables, la peinture est difficile à voir d'abord, comme une ombre qui passe, ou une tache sombre. Il semble à la fois souiller le mur blanc de la galerie et le dissoudre, être soit une aide à la méditation, soit une erreur. Intitulé "En Passant" et commandé pour l'occasion, il disparaîtra physiquement une fois le spectacle terminé, mais restera vif comme idée, comme une grande partie du reste de ce qui est ici.

Souvenirs choisis : art latino-américain contemporain du cadeau de Patricia Phelps de Cisneros et au-delà

Jusqu'au 9 septembre, Museum of Modern Art, 11 East 53rd Street, (212) 708-9400; moma.org.

Holland Cotter est le co-critique d'art en chef du Times. Il écrit sur un large éventail d'art, ancien et nouveau, et il a fait de longs voyages en Afrique et en Chine. Il a reçu le prix Pulitzer de la critique en 2009.

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