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Alison Saar, vue d'installation de "Uproot" à LA Louver, 2023. © Alison Saar. Avec l'aimable autorisation de LA Louvre.

Les foires d'art débarquent à Los Angeles cette semaine, et il y a plus à voir que jamais. Cette année, Frieze s'étend à l'aéroport de Santa Monica et Felix Art Fair sonne dans sa cinquième itération avec une journée supplémentaire de visionnement décontracté au bord de la piscine. Pendant ce temps, LA Art Show entre dans l'année 28 avec une présence mondiale plus importante, alors que SPRING/BREAK arrive avec le thème prometteur de "Naked Lunch".

Mais comme si tout cela ne suffisait pas, la ville regorge également d'expositions de galeries incontournables. Parce que la fatigue équitable est réelle, les galeries peuvent servir d'espace de refuge tranquille pour ceux qui cherchent à reprendre leur souffle sans sacrifier le temps loin de l'art lui-même.

Ci-dessous, nous partageons 10 expositions de galerie incontournables qui constituent l'intermède parfait entre les festivités de la foire.

Huma Bhabha et Michael Williams, vue d'installation de "Bhabha Williams" à la David Kordansky Gallery, Los Angeles, 2023. Photo de Jeff McLane. Avec l'aimable autorisation de la galerie David Kordansky.

Huma Bhabha et Michael Williams s'associent pour la première fois pour présenter une exposition de nouvelles œuvres à la David Kordansky Gallery. Ensemble, les sculptures et les œuvres sur papier de Bhabha, avec les peintures et les dessins de Williams, imprègnent l'espace d'une dissonance électrique qui intrigue par sa prise en compte des sentiments contradictoires. L'attraction et la répulsion, l'espièglerie et le sérieux, la figuration et l'abstraction, le littéral et l'allégorique, ainsi que l'humain et l'extraterrestre se heurtent tous dans "Bhabha Williams".

La série abstraite "Puzzle" de Williams de peintures à grande échelle à l'huile sur toile apporte une cacophonie de textures aux tons gris avec une interruption occasionnelle de la couleur. Les diptyques et triptyques se sentent frénétiques et prennent une qualité graphique, en particulier contre l'immobilité mesurée des sculptures en liège et en bois de Bhabha, qui présentent des figures totémiques humanisées par des titres qui servent également de descriptions de poste, comme on le voit dans Writer (2022) et Pilot (2022). Les œuvres individuelles de chaque artiste s'installent confortablement dans leurs contradictions, mais dans la conversation, elles commencent à creuser des questions universelles plus vastes.

Alison Saar, vue d'installation de "Uproot" à LA Louver, 2023. © Alison Saar. Avec l'aimable autorisation de LA Louvre.

Les œuvres de "Uproot" d'Alison Saar à LA Louvre reposent sur une multitude d'actions exigeantes telles que l'abattage, la sculpture, la couture et le pavage. Une pièce, Shear'd (2023), appelait au martelage de 1 000 clous individuels dans un buste, servant de mèches de cheveux fraîchement « déracinés ». Dans sa reconfiguration des représentations historiques de la féminité noire, l'artiste utilise des processus à forte intensité de main-d'œuvre parallèles à ceux des cueilleurs de coton et des gangs de la chaîne des chemins de fer. La subversion et les contre-récits prévalent dans sa volonté de promouvoir la souveraineté des femmes noires sur la souffrance.

Dans sa huitième exposition personnelle avec la galerie, Saar utilise également des images de la Vénus de Sable, qui porte un coquillage dans une main et une faucille dans l'autre. Ici, la Sarre exploite l'intersection de l'inégalité racialisée entre les sexes et des droits reproductifs, qui se sentent particulièrement pertinents avec l'annulation de Roe v. Wade par la Cour suprême - une décision qui affecte de manière disproportionnée les femmes de couleur.

Mimi Smith, vue d'installation de "Head-On" à Luis De Jesus Los Angeles, 2023. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Luis De Jesus Los Angeles.

Luis De Jesus Los Angeles présente la première exposition solo de Mimi Smith sur la côte ouest, "Head-On", qui comprend des sculptures, des peintures et des dessins qui couvrent les six décennies de carrière de l'artiste pionnier. Précédant le mouvement artistique féministe des années 1970, le travail audacieux de Smith a fouillé la nature de la féminité et de la domesticité avant qu'elle ne soit populaire. Il était également prémonitoire en introduisant des éléments autobiographiques dans l'œuvre alors que le formalisme indiquait que l'art devait être soustrait à l'émotion.

Les sculptures de Smith se sentent plus pertinentes que jamais dans le paysage culturel actuel. Camouflage Maternity Dress (2004), par exemple, présente le motif de combat comme suggéré dans son titre, mais incorpore un dôme en plastique transparent qui pourrait enfermer et afficher bien en évidence une future bosse de bébé, annulant complètement la fonction de camouflage. L'artiste compare les défis de la grossesse à ceux d'être sur un champ de bataille, mais sa façon de tisser subtilement son expérience personnelle dans les œuvres est ce qui leur donne un sens caractéristique de l'immédiateté et de la relatabilité.

La Charlie James Gallery présente « JA – RT – LA – 23 », sa deuxième exposition consacrée aux artistes légendaires new-yorkais John Ahearn et Rigoberto Torres alors que le duo entre dans sa quatrième décennie de création artistique collaborative. Des sculptures anciennes et nouvelles se mêlent dans une enquête qui comprend le familier Chico (1981), ainsi que des pièces qui ont été réalisées aussi récemment que l'année dernière. En fait, une paire de sculptures faites de la même personne à plus de 30 ans d'intervalle, Nikki (1991) et Nico (2022), ont une façon de faire le pont entre le passé et le présent.

Des portraits en plâtre d'amis artistes, un médecin, un manguier, un oncle Tito dans un magasin d'alcools, Torres lui-même et d'autres forment une rétrospective cruciale, mais plus encore, une communauté toujours croissante imprégnée d'une chaleur tangible et texturale. Les sujets alternent entre sourires et contemplation silencieuse, mais chacun, d'une manière ou d'une autre, se sent profondément lié aux artistes eux-mêmes.

"Time Life" de Mungo Thomson arrive chez Karma après une décennie d'évolution artistique. L'exposition solo se compose de huit courtes vidéos, dont l'artiste basé à Los Angeles a réfléchi pendant des années. Les vidéos sont présentées sous forme de chapitres distincts et chevauchent la frontière entre le numérique et l'analogique.

À l'écran, des textes de référence comme des encyclopédies et des guides pratiques sont numérisés, tandis que des événements banals de l'existence humaine sont utilisés pour explorer le temps géologique. Hautement chorégraphié, une ruée d'images mettant en vedette des activités banales comme l'exercice et la cuisine. Ici, Thomson considère les activités quotidiennes à un niveau cosmique pour regarder le temps à partir de notre réalité partagée plus large.

Shuzo Azuchi Gulliver, vue d'installation de "Synogenesis" à Nonaka-Hill, 2023. Avec l'aimable autorisation de Nonaka-Hill.

Nonaka-Hill célèbre la carrière de Shuzo Azuchi Gulliver avec la première exposition solo de l'artiste sur la côte ouest, "Synogenesis". L'étude des œuvres multimédias couvre un demi-siècle de création artistique, la pièce la plus récente ayant été réalisée en 2022.

La pratique d'Azuchi a d'abord été façonnée par Marcel Duchamp après être tombé sur un livre du travail de l'artiste Dada en 1963. Cela a inspiré Azuchi à mettre en scène son premier happening au lycée la même année. Une performance de cette période comprend Grassfields (1963), dans laquelle neuf interprètes ont désherbé une parcelle de la cour d'école pendant que les spectateurs regardaient depuis le toit.

L'utilisation libérée du corps par Azuchi comme point de référence de sa relation au temps et à l'espace a été constante au fil des années. Il adopte souvent une approche comique de la nature de la réalité et s'appuie sur sa présence physique pour mieux comprendre les aspects les plus intangibles du monde.

Dans "Endnotes for Sunshine" à Anat Ebgi, Jessica Taylor Bellamy réfléchit sur son expérience personnelle en tant qu'Angeleno native pour considérer les notions de chez-soi et les structures culturelles et environnementales précaires de Los Angeles. Bellamy juxtapose le fait main à la production de masse en extrayant des images et du texte de journaux, des photographies et des vidéos de ses archives personnelles. Elle superpose, réarrange et rephotographie du papier journal qu'elle convertit ensuite en sérigraphies à grande échelle avant de peindre les images sur toile.

Les erreurs de repérage intentionnelles de Bellamy, obtenues grâce à la sérigraphie, cèdent la place à une sorte de folie absurde de poésie trouvée. Hors contexte, les textes abstraits sont amusants au début, mais ils créent également un espace pour des conversations sur notre relation plus large avec les médias, et plus spécifiquement, la présence décroissante de la presse écrite.

Various Small Fires présente "Somewhereinamerica", une exposition personnelle de peintures, sculptures et aquarelles de Jammie Holmes. L'artiste basé à Dallas se tourne vers les souvenirs personnels et communautaires - à la fois familiaux et historiques - pour informer ses peintures sur la communauté, la résilience et l'appartenance. La perspective de Holmes sur la vie des Noirs américains a une empathie palpable qui s'étend à d'autres groupes minoritaires et à l'humanité dans son ensemble.

Dans "Somewhereinamerica", les intérieurs domestiques modestes se transforment en atmosphères luxueuses de succès. Parallèlement, d'autres tableaux se réapproprient la figure mammaire dans une étude du pouvoir. Le contraste frappant entre ces thèmes n'est pas sans rappeler le coup de fouet que subissent les personnes de couleur lorsqu'elles passent d'espaces communautaires familiers à un territoire inconnu où l'acceptation n'est pas garantie mais nécessaire au succès.

Rita Ackermann, vue d'installation de "Vertical Vanish" chez Hauser & Wirth, Los Angeles, 2023. © Rita Ackermann. Photo de Keith Lubow. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Hauser & Wirth.

Hauser & Wirth présente "Vertical Vanish", le premier album de Rita Ackermann sur la côte ouest avec une exposition de peintures à l'huile récentes. Travaillant à grande et à petite échelle, l'artiste budapestois joue avec la répétition des gestes, des figures et des motifs.

Des nuances de vert riche, de bleu, de noir et de rouge s'étalent sur l'œuvre d'Ackermann. Elle applique des couches épaisses de peinture en couches, puis en gratte ou en efface certaines pour révéler des figures cachées autrefois obscurcies par l'abstraction. Dans la peinture titulaire Vertical Varnish (2022), les formes figuratives sous la surface sont recouvertes d'éclats de couleur révélateurs. Ackermann gère le chaos avec un marquage ciblé et des dévoilements consciencieux qui imprègnent ses surfaces d'un sentiment d'harmonie.

Alma Allen, vue d'installation chez Blum & Poe, Los Angeles, 2023. © Alma Allen. Photo par Evan Walsh. Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de Blum & Poe, Los Angeles/New York/Tokyo.

Alma Allen revient à Blum & Poe avec sa quatrième exposition personnelle avec la galerie. Lorsque l'artiste vivait à Joshua Tree, ses sculptures naissaient généralement de bois sculpté. Depuis qu'il a déménagé à Topoztlán, au Mexique, l'artiste s'est cependant tourné vers les médiums du bronze et de la pierre. Les sculptures en relief en bronze murales d'Allen faisant leurs débuts chez Blum & Poe présentent des patines noires douces, des surfaces réfléchissantes et des formes singulières. Au centre de la galerie se trouve Not Yet Titled (2022) - le nom que toutes les œuvres partagent - une pièce de marbre de couleur laiteuse sculptée de plis soignés qui attirent le regard sur sa surface striée.

À l'extérieur, une œuvre en bronze repose sur un piédestal, capturant des flaques de lumière scintillante entre les plis de ses courbes. La sculpture, depuis son perchoir situé au centre, ne demande qu'à être admirée sous tous les angles, un peu comme le plus grand corpus d'œuvres d'Allen.

Correction : Une version précédente de cet article indiquait de manière incorrecte la date de clôture de "Bhabha Williams".